Archive for the Cine Category

Te voy a recomendar una película

Posted in Cine with tags , , on junio 22, 2008 by ecamcito

Título original: MASH
Nacionalidad: Estadounidense
Año de producción: 1970
Duración: 116 minutos

DIRECTOR: Robert Altman. PRODUCTOR: Ingo Preminger, para Aspen / 20th Century Fox. GUIÓN: Ring Lardner, Jr., basado en la novela de Richard Hooker. DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA: Harold E. Stine. MONTAJE: Danford B. Greene. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Jack Martin Smith y Arthur Lonergan. MÚSICA: Johnny Mandel. CANCIÓN: Suicide is Painless, de Johnny Mandel y Mike Altman. SONIDO: Bernard Freeriks y John Stack. CONSEJERO MÉDICO: Dr. David Sachs.

REPARTO:
Donald Sutherland (Capitán Hawkeye Pierce), Elliott Gould (Capitán Trampero John McIntyre), Tom Skerritt (Capitán Duke Forrest), Sally Kellerman (Mayor Labios Ardientes O´Houlihan), Robert Duvall (Mayor Frank Burns), Jo Ann Pflug (Teniente Dish), Roger Bowen (Teniente Coronel Henry Blake), René Auberjonois (Padre Mulcahy), David Arkin (Sargento Mayor Vollmer), Gary Burghoff (Radar), Fred Williamson (Superatleta Jones), Michael Murphy (Capitán Mi Ligar Marston), Kim Atwood (Ho Jon), John Schuck (Capitán Polaco Sin Dolor Waldowsky), Bud Cort (Cabo Boone), Corey Fischer (Capitán Bandini).

PREMIOS Y NOMINACIONES:

Óscar al mejor guión adaptado en el año1971; nominado en las categorías de Mejor Producción, Director, Montaje y Actriz Secundaria (Sally Kellerman). Palma de Oro del Festival de Cannes de 1970.

ARGUMENTO:

Los cirujanos militares Hawkeye Pierce y Duke Forrest llegan al MASH (hospital de campaña) 4077 durante la guerra de Corea. Su carácter anárquico y gamberro chocará inmediatamente con el del mayor Burns, fanático religioso y médico incompetente. La llegada de otros dos nuevos personajes, la mayor O´Houlihan –rebautizada como Labios Ardientes- y el Trampero John McIntyre acabarán de convertir al MASH en un campo de batalla diferente al que se desarrolla en el frente, entre dos bandos encontrados: el de los partidarios de los férreos códigos militares y el de los que sólo buscan cumplir con su obligación médica y, mientras, disfrutar dinamitando todo atisbo de norma y jerarquía de los “payasos de uniforme”.

SOBRE LA PELÍCULA:

En un ambiente histórico, político, social, artístico y cultural en plena ebullición y marcado por la guerra de Vietnam, la revolución de mayo del 68, los movimientos hippies, la contracultura, y una movilización juvenil contestataria y rebelde, la 20th Century Fox decide llevar a la gran pantalla la novela del cirujano militar Richard Hooker en la que narra sus experiencia durante la guerra de Corea. Para ello, encarga el guión a uno de los famosos Diez de Hollywood, Ring Lardner, Jr., que fuera víctima en su día de la infame Caza de Brujas del senador McCarthy.

Este guión sirvió de base para que un director curtido en la televisión y recién llegado al cine, Robert Altman, revolucionara la estética cinematográfica y la manera de concebir la puesta en escena. En primer lugar, trabajó exhaustivamente con los actores para que ese MASH se convirtiera en un lugar vivo, dejando a los actores una gran libertad para improvisar y construir sus personajes. En segundo lugar, dirigió la atención de la cámara en muchas ocasiones hacia personajes u objetos teóricamente secundarios, dotando de una importancia fundamental a cada gesto, a cada acción, a cada comentario por insignificante que pudiera parecer. Esto produce dos consecuencias fundamentales: en algunos planos, vemos actuar a prácticamente todo el elenco, independientemente de dónde se encuentre la acción principal: el detalle puede surgir de cualquier punto hacia el que se dirigirá el zoom lento tan característico de Altman. En segundo lugar, multiplicó el número de micrófonos del plató y el número de pistas de grabación para conseguir un efecto de simultaneidad, de tal modo que pudiera en su momento subir o bajar los volúmenes para que no se perdiera ningún detalle sonoro, aunque fueran las palabras de un extra.

Esta apariencia de caos encubre, en el fondo, una búsqueda del realismo diferente a la que defendían realizadores y teóricos de décadas anteriores. Altman encuentra la mejor manifestación fílmica de los mecanismos de la percepción visual y auditiva que se haya logrado en la Historia del Cine. Ese zoom es la focalización de la mirada, la atención que de repente queremos fijar en un punto determinado; su utilización del sonido representa nuestra escucha selectiva, en todo momento dispuesta a recoger todos los datos sonoros que nos rodean, cuyo interés puede cambiar en cada momento o ser distraído por nuevos elementos.

Altman se descubre así como un voyeur curioso pero desapasionado, irónico y rabiosamente iconoclasta. El resultado es una de las más contundentes muestras de antibelicismo que se haya visto en una película, así como la ridiculización más corrosiva del Ejército –los “héroes” son reclutados; los “payasos de uniforme” son militares de carrera-. MASH no sólo se permite romper con las normas del cine, sino que utiliza esa misma ruptura para hacer saltar por los aires todos los convencionalismos de la estructura social más férrea que existe –la militar- en una situación límite –la guerra, a tres millas del frente-. Los alter ego de Robert Altman, el Trampero y Hawkeye, son hedonistas radicales, pero profundamente comprometidos con su juramento hipocrático –abandonan un burdel a medianoche para salvar al hijo de una prostituta, y se enfrentan para ello con la Policía Militar-. Son obscenos, bebedores, irreverentes, y con una absoluta lealtad hacia los amigos –como el Polaco Sin Dolor, cuyo suicidio logran evitar-. No desaprovechan ninguna ocasión para poner al descubierto y denunciar todo lo que no les gusta, les parece aberrante o, simplemente, les produce una inocente curiosidad o una sana diversión.

Robert Altman, que en el momento de tomar las riendas de este MASH 4077 era un joven rebelde de apenas cincuenta años, nos presentó con esta película una nueva forma de hacer cine con una mirada lúcida, siempre distanciada pero al mismo tiempo comprometida hacia micromundos que revelaban la complejidad del comportamiento humano a través, muchas veces, de mostrar su ridícula simplicidad. Porque todo resulta mucho más sencillo cuando lo disecciona un cirujano de la mirada que al mismo tiempo demuestra ser un poeta de lo prosaico, alguien capaz de legarnos obras maestras como Los vividores, Un largo adiós, Nashville, El juego de Hollywood, Vidas cruzadas, Prêt-à-porter, Kansas City o Cookie´s Fortune, por citar sólo algunas de ellas.

Encumbrado y vilipendiado aleatoriamente por crítica y público, supo mantener su coherencia artística y personal durante cuatro décadas, a pesar del ostracismo televisivo a que se vio sometido en los años ochenta. Incluso en esos trabajos siguió desarrollando su estilo inconfundible. Murió el veinte de noviembre de 2006, a los ochenta y un años, y después de haber dado a lo largo de su carrera un ejemplo único de capacidad profesional, audacia e irreductible inconformismo social y estético.

Daniel Moreno

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Te voy a recomendar un documental

Posted in Cine with tags , , , , on enero 17, 2008 by ecamcito

steal this film

“La música no se originó com el fonógrafo y no se acabará con las redes P2P”

El autor de esta afirmación es Yochai Benkler, que entre otras cosas ha sido profesor de Derecho en Yale. La suya es una de las numerosas e interesantes entrevistas que podemos ver en el documental Steal This Film.

La película no trata sobre piratería, no trata sobre compartir archivos. El verdadero tema de la película es indagar en los inmensos cambios que se han producido en la manera de producir, distribuir y consumir archivos multimedia.

Los entrevistados aportan su punto de vista sobre el actual momento que vivimos en cuanto al acceso de información se refiere. Y reflexionan sobre lo inevitable que es dicha situación. El hombre por naturaleza comparte. Una simple conversación no es sino un intercambio de información. La nuevas tecnologías han puesto a nuestro alcance la posibilidad de compartir absolutamente todo. Y esta posibilidad está volviendo locos a todos aquellos que se habían acostumbrado a un público fiel, que no rechistaba mientras consumían sus productos, en muchas ocasiones de pésima calidad.

La parte más interesante del documental, al menos para mi, es aquella en la que se habla de como este intercambio que tanto asusta a las grandes corporaciones está produciendo un cambio en el ser humano. Un paso que en muchas ocasiones tendemos a olvidar. La conversión del consumidor de información en creador. Quizás mucha gente solo use internet para descargarse el último éxito de Hollywood o el nuevo disco de Bisbal, es lógico, son muchos años viviendo culturalmente atrofiados por culpa de esas Corporaciones que tradicionalmente controlaban los medios y te decían que leer, ver o escuchar. Pero lo que no se puede negar es que, cada día que pasa, aumenta el número de gente que no se conforma con ser un mero espectador y aporta su granito de arena. Estos “nuevos creadores” nos brindan acceso a sus blogs, a la música que componen o como es el caso de los creadores de Steal This Film a la película que han realizado. Una fuerza creadora cada vez más numerosa, mejor preparada y con las ideas claras. La información debe compartirse.

Ahora entiendo que muchos personajes poderosos los tengan de corbata. Si yo hubiese sido el culpable de atrofiar las mentes de tantas personas en el pasado también estaría preocupado. Preocupado por perder mi posición de privilegio. Esa atalaya desde la que miraba a los demás por encima del hombro y que además le brindaba montañas de dinero. Hoy en día cualquier chaval de 16 años con una buena idea es capaz de quitarle todo eso con un par de pulsaciones del ratón. Y por eso el atrofiador de mentes vive aterrado.

A pesar de que no me gusta el término pirata, y en el documental lo usan muy a menudo, os recomiendo el visionado de esta película. Pues aporta una mirada interesante al mundo de la comunicación y el intercambio en la red de redes.

Podeis descargar el documental y sus subtítulos en castellano en esta página.

Te voy a recomendar los vídeos de una huelga

Posted in Cine, General with tags , , , , , on enero 2, 2008 by ecamcito

Como casi todo el mundo sabe a estas alturas los guionistas de Hollywood están en huelga. Más unidos que nunca la WGA, siglas del sindicato de guionistas, han conseguido algo que parecía imposible que la poderosa maquinaria de ficción televisiva haya desaparecido casi por completo. Cantidad de series han visto acortadas sus temporadas y las que aún no se han estrenado puede que no tengan más que un puñado de episodios. Los talk-shows de Jay Leno o David Letterman han enmudecido. Y la tv americana sobrevive a base de reality shows y reposiciones.

Spechless es una campaña de solidaridad con los guionistas en la que numerosas estrellas del cine y la tv muestran su apoyo a los huelguistas.Esta vez la avaricia de las grandes corporaciones se ha topado de frente con un enemigo que ha conseguido ponerles de rodillas. Pero como todo buen avaro la asociación que une a las principales productoras sigue sin dar su brazo a torcer.

Y mientras la huelga sigue y nos quedamos sin series siempre podremos ver los vídeos de esta campaña.

Mas info sobre la huelga en United Hollywood.

Te voy a recomendar una película.

Posted in Cine with tags , , , , on noviembre 29, 2007 by ecamcito

EN EL MUNDO A CADA RATO

Cartel de la pel�cula

 

Título original: En el mundo, a cada rato. Año de producción: 2004.

Duración: 116 minutos.

 

Dirección: Patricia Ferreira (El secreto mejor guardado), Pere Joan Ventura (La vida efímera), Chus Gutiérrez (Las siete alcantarillas), Javier Corcuera (Hijas de Belén), Javier Fesser (Binta y la gran idea).

Guión: Virginia Yagüe, Georgina Cisquella, Inés Almirón y Javier Fesser. Producción:Música: Manuel García Serrano. José Nieto y Tao Gutiérrez. Fotografía: Rafa Roche, Alberto Molina, Jordi Abusada y Chechu Graf. Montaje: Carmen Frías, Anastasi Rinos, Fidel Collados, Rosa Rodríguez y Javier Fesser.

 

 

Intérpretes: D. Krishnakumar, Theni Kunjarammal, Vicenta Ndongo, Macarena Leyría, Olga Oña, Juan Pablo González, Nancy Hualinga, Eusebia Ramírez, Zeynabou Dialló, Aqnile Sambou, Aminata Sané, Ismaïla Hercule.

 

 

Argumento:

Ravi es un niño huérfano en una zona rural de la India. Todos los días debe recorrer una larga distancia hasta la escuela de otro pueblo porque en el suyo nadie lo acepta, aunque él no sabe por qué. Su mayor ilusión es conseguir el uniforme de su escuela, sin el cual no puede bailar en la fiesta del colegio como los demás niños, y para ello tiene que trabajar duramente.

Vicenta es una enfermera que regresa a Guinea Ecuatorial para trabajar en el Hospital General de Malabo, donde descubre que el paludismo diezma a la población infantil.

La pequeña Maca nos presenta a su familia, su casa, su barrio de Córdoba –Argentina- y se siente feliz. Pero lo que ve el espectador es una realidad muy distinta de lo que ella cuenta con total inocencia.

Eusebia es una mujer mayor que llegó al barrio de Belén en Iquitos –Perú- para ir a la escuela, pero en lugar de ello tuvo que ponerse a trabajar desde niña y nunca aprendió a leer ni a escribir. La historia se repite con Nancy tres generaciones después.

Binta tiene siete años y va a la escuela. A su prima Soda se le ha prohibido asistir. Al padre de Binta, un pescador preocupado por el progreso de la humanidad, se le ocurre una gran idea. Con una carta que le dicta a su hija, está dispuesto a llegar a las más altas instancias para llevar a cabo su plan.

 

 

Sobre la película:

En el mundo, a cada rato presenta cinco miradas hacia las prioridades en las que trabaja UNICEF, entidad patrocinadora de la cinta: educación de los niños y niñas, desarrollo integrado de la primera infancia, inmunización, lucha contra el VIH/SIDA, protección de la infancia. Lo hace a través de cinco cortometrajes que utilizan técnicas muy diferentes, siempre próximas al documental: El secreto mejor guardado narra pequeñas anécdotas, pequeñas ilusiones de un niño que encierran una realidad terrible; La vida efímera utiliza como excusa el regreso de una enfermera a Malabo para mostrar los estragos del paludismo, principalmente en la población infantil; Las siete alcantarillas contrasta el tono de cuento que imprime su pequeña narradora para hacer un recorrido por los problemas sociales que arrastra la pobreza extrema en un barrio de Córdoba, Argentina; Hijas de Belén es un documental que crea un paralelismo preocupante entre la situación de las niñas en Perú con tres generaciones de distancia, lo cual lleva a la desalentadora conclusión de que nada va a cambiar; y Binta y la gran idea es una fábula esperanzadora que parte de la situación de pobreza y falta de escolarización en Senegal para revelar una visión sorprendente del mundo.

Los derechos de niños y niñas y los problemas sociales derivados de la pobreza que en muchos lugares del mundo impiden que estos derechos se cumplan son el eje de estas cinco historias, marcadas por el dolor y el sufrimiento, pero también por la ilusión de las miradas infantiles. La conclusión que ofrece la película es un canto vitalista a la esperanza:

“En el mundo, a cada rato, más de dos mil millones de niños y niñas tienen ganas de reírse. Esta película está dedicada a todos ellos.”

Pero no por ello se resta importancia a los datos ofrecidos por cada una de las cinco historias:

En el mundo, 15 millones de niños y niñas son huérfanos a causa del SIDA.

Más de un millón de niños y niñas mueren cada año a causa del paludismo.

Más de seiscientos millones de niños y niñas viven en la pobreza absoluta.

246 millones de niños y niñas trabajan, y 171 millones de ellos lo hacen en condiciones peligrosas.

65 millones de niñas no van a la escuela.

A pesar de los altibajos narrativos que caracterizan a toda película dividida en historias diferentes y realizada por distintos autores, En el mundo, a cada rato es un llamamiento a la solidaridad, muy destacable en general desde el punto de vista técnico y narrativo y, sobre todo, por su interés como testimonio social.

Daniel Moreno

Te voy a recomendar un anuncio.

Posted in Cine, Cortometrajes with tags , , , , , , , on noviembre 28, 2007 by ecamcito

LA CLAVE RESERVA

O debería decir un corto. O un documental. O un homenaje a Alfred Hitchcock. La verdad es que es todo eso y mucho más.

Os cuento. Los de Freixenet son unos señores que durante todo el año guardan su dinerito para la campaña de navidad y así pasa que cuando hacen algo, lo hacen a lo grande. Pero es que este año han tirado la casa por la ventana y el director que han contratado es, nada más y nada menos, que el mismísimo Martin Scorsese.

El realizador de Unos de los Nuestros rinde homenaje a través de ese corto, a uno de los iconos del cine Alfred Hitchcock, el mago del suspense, el divino gordito (Faemino y Cansado dixit), el señor que siempre aparecía en sus películas…

Intriga, tensión, la música del genial Bernard Herrmann y un gran sentido del humor hacen que este corto/anuncio/documental/homenaje sea de visionado obligado.

The Key to Reserva – Martin Scorsese

Gracias Fridwulfa por pasarme el enlace.

Te voy a recomendar una película.

Posted in Cine with tags , , , , , , on noviembre 22, 2007 by ecamcito

Mientras nieva sobre los cedros

 

Título original: Snow Falling on Cedars. Año de producción: 1999.

Duración: 123 minutos.

 

Director: Scott Hicks. Producción: Ronald Bass, Kathleen Kennedy, Frank Marshall, Harry J. Ufland. Guión: Ronald Bass y Scott Hicks, basado en la novela de David Guterson. Música: James Newton Howard. Fotografía: Robert Richardson. Montaje: Hank Corwin. Diseño de producción: Jeannine Oppewall. Dirección artística: Doug Biggdin.

 

Reparto:

Ethan Hawke (Ishmael Chambers), Youki Kudoh (Hatsue Imada Miyamoto), Rick Yune (Kazuo Miyamoto), Max Von Sydow (Nels Gudmundsson), James Rebhorn (Alvin Hooks), James Cromwell (Juez Fielding), Sam Shepard (Arthur Chambers), Reeve Carney (Joven Ishmael), Anne Suzuki (Joven Hatsue), Richard Jenkins (Sheriff Art Moran), Eric Thal (Carl Heine, Jr.)

 

Premios y nominaciones: Nominada en el año 2000 a la Mejor Fotografía en la edición de los Oscar y en la de la Asociación Norteamericana de Directores de Fotografía. Ganadora en la misma categoría en los premios de las Asociaciones de Críticos de Chicago, Dallas-Fort Worth, Florida y Las Vegas. Nominada a los Golden Satellite Awards al Mejor Director, Película (Drama), Fotografía, Música y Actriz (Youki Kudoh). Ganadora del Young Artist Award al Mejor Actor Joven (Reeve Carney). Nominada a la Mejor Actriz Joven en los Young Star Awards (Anne Suzuki)

Argumento:

Un pescador aparece ahogado en un pueblecito costero del Condado de San Pedro, en el noroeste de Estados Unidos. Presenta una herida contundente en la cabeza, por lo que se sospecha que puede haber sido asesinado.

En el ambiente desconfiado y racista de los años cincuenta, con la Segunda Guerra Mundial aún demasiado reciente, las sospechas recaen en la comunidad de origen japonés, y concretamente en Kazuo Miyamoto (Rick Yune), dado que existían motivos de enemistad con la familia del fallecido.

En el transcurso del juicio, saldrán a la luz las motivaciones de una pequeña comunidad sumida en los prejuicios y la intolerancia mutuos, con consecuencias trágicas y dolorosas para sus habitantes. En especial, despertará un torbellino de recuerdos en Ishmael Chambers (Ethan Hawke), reportero local, y en Hatsue Imada (Youki Kudoh), la esposa del acusado. Ambos vivieron su primer amor entre los bosques de cedros.

 

Sobre la película:

Una excelente película que parte de un argumento muy simple y utiliza un subgénero, el del melodrama judicial, que a priori podría limitar las posibilidades dramáticas de la historia. De hecho, la trama judicial es una mera excusa para presentar los conflictos sociales y emocionales que definen sus tramas con una impresionante belleza formal. Mientras nieva sobre los cedros no muestra un juicio más en el que simplemente deba esclarecerse la verdad sobre unos hechos. Como dice el abogado Nels Gudmundsson (Max von Sydow) en su alegato, patético y conmovedor: “Quizás crean que éste es un juicio modesto celebrado en un modesto lugar. Pues… No es así. De vez en cuando, en algún lugar del mundo, la humanidad es sometida a juicio. Y la integridad. Y la decencia. Y también, de vez en cuando, ciudadanos corrientes como ustedes, señoras y caballeros, son llamados para intentar evaluar a la especie humana”.

Scott Hicks, con el apoyo de una banda sonora, una fotografía y un montaje más que brillantes, orquesta una sucesión implacable de impactos emocionales; ecos poéticos del pasado en el presente, y también de los elementos naturales en la historia y en los personajes.

El agua rodea a los dos jóvenes protagonistas, que beben uno del otro en su primer encuentro bajo el cedro; escapa a borbotones de la cantimplora que el joven soldado alemán agonizante intenta alcanzar y que Kazuo confunde con un arma; pero también representa un elemento de muerte y amenaza: la niebla que rodea el barco de Carl, el mar que acaba con la vida del pescador, la mutilación de Ishmael durante el desembarco…-. Y la nieve que cubre por completo el mismo paisaje del pasado, sepultándolo definitivamente para quedar vivo sólo en los recuerdos.

Los cedros enmarcan y acogen el amor de Ishmael y Hatsue, pero posteriormente sus troncos cercenados sobre el río son escenario del fin de su historia.

Los peces, en un pueblo de pescadores, se asocian mediante el montaje a los cadáveres humanos, cuerpos como el de Carl, que es “pescado” con sus propias redes; o como los de los soldados que caen en el desembarco igual que peces muertos arrastrados a la playa.

Mutilado física y emocionalmente, Ishmael es un mero testigo del presente y del pasado. Se encuentra siempre empequeñecido por la memoria del padre muerto. Arthur Chambers (Sam Shepard) fue un hombre íntegro que se ganó la enemistad de sus vecinos blancos al denunciar públicamente las injusticias del gobierno hacia los ciudadanos de origen japonés que eran encerrados en campos de concentración, y lo hace a través de su pequeño periódico, a costa de su propia seguridad y de la ruina de su familia. Por otro lado, Ishmael se debate también con su propia cobardía y su rencor hacia los japoneses como extensión de su amargura hacia Hatsue. Todo ello se muestra en la película a través de barreras –las vallas tras las que espía a la joven; la barandilla desde la que sigue el juicio-; barreras detrás de las que se refugia en su función de observador para escudarse ante el pasado.

La ironía de la película a la hora de abordar el conflicto social nos lleva a la conclusión de que habla no sólo de incomprensión y extrañeza entre culturas, sino también de puro racismo. A ello apela el fiscal al señalar a Kazuo –“No tienen más que mirar a sus ojos para ver que es culpable”-. A pesar de que San Pedro es una comunidad en la que conviven gentes procedentes de diversos países -curiosamente, los Heine son de origen alemán, país también enemigo en la reciente guerra-, nada provoca en sus ciudadanos una sensación de diferencia y rechazo, una idea de unos “otros” tan ajenos y distintos como los japoneses.

Dramas sociales y dramas emocionales, entremezclados en un excelente puzzle visual con un ritmo pausado pero en continua progresión, con un montaje poético que crea nuevos significados a través del choque y la asociación de imágenes y sonidos. Todo ello, sin alardes gratuitos: el dominio del ritmo y el material dramático quedan demostrados cuando Hicks decide centrar toda nuestra atención en el antes mencionado alegato de Max von Sydow rodándolo en un primerísimo plano de tres minutos y medio de duración.

Curiosamente, Mientras nieva sobre los cedros no obtuvo demasiado reconocimiento de crítica ni de público. Tal vez sea por la baja intensidad de la trama judicial. Pero eso se compensa ampliamente por una intensidad lírica y dramática, por una potencia visual y sonora, que la habrían hecho merecedora de una atención mucho mayor.